Il subcontinente indiano ha prodotto numerosi artisti di fama internazionale, molti dei quali stanno raccogliendo milioni di aste all'asta in tutto il mondo. Alcuni degli artisti di maggior successo e innovativi dell'India sono donne e le loro varie pratiche esplorano una vasta gamma di temi, dall'identità e dalla memoria alla politica, alla storia e alla cultura contemporanea. Ti presentiamo dieci tra le più famose artiste indiane contemporanee.
Shilpa Gupta
Esaminando una serie di temi dalla cultura del consumo al desiderio, alla sicurezza, alla religione, al nazionalismo e ai diritti umani, le pratiche interdisciplinari di Shilpa Gupta utilizzano video interattivi, fotografia, installazione e performance art, spesso affidandosi alla partecipazione del pubblico. Funzionando come un videogioco interattivo, la sua serie di videoproiezioni intitolata Shadow (1, 2 e 3) incorpora le ombre simulate degli spettatori, catturate da una telecamera live. Le ombre sono proiettate sullo schermo bianco e interagiscono con altre ombre create da oggetti, bambole, case, uccelli e altre figure che ballano, saltano e camminano. Gupta è una delle giovani generazioni di artisti indiani il cui lavoro risponde alle divisioni sociali postcoloniali del paese. Spesso sfoca, ridisegna e cancella i confini geo-politici, come in 100 Mappe disegnate a mano dell'India (2007-2008), comprendenti mappe disegnate a mano dagli spettatori dalla memoria, o il suo lavoro senza titolo che raffigura una polizia gialla bandiera del nastro che legge: "Non c'è bordo qui".
Bharti Kher
Il bindi pronto all'uso, una tradizionale decorazione indiana sulla fronte, è centrale nella pratica di Bharti Kher e invita a significati ambivalenti, oscillando tra tradizione e modernità. Kher prospera nel creare arte che rappresenti interpretazioni errate, idee sbagliate, conflitti, molteplicità e contraddizioni, esplorando il dramma umano e la vita contemporanea. Il bindi appare nei suoi dipinti così come nelle sue installazioni scultoree, sfidando il ruolo delle donne in un paese tradizionale e facendo riferimento al suo significato spirituale tradizionale del "terzo occhio". La sua storia da record The Skin Speaks a Language Not Its Own (2006) raffigura un elefante morto o moribondo in vetroresina coperto di bindis lucido. Il suo lavoro si impegna ulteriormente con racconti allegorici, creature fantastiche, bestie magiche e mostri mistici, come visto in altri pezzi di origine animale come i delitti. An Absence of a Assignable Cause (2007) è una replica a grandezza naturale del cuore di una balena blu, basata sull'immaginazione dell'artista, enfatizza l'idea romantica di un "grande cuore" e i misteri che legano il cuore a concetti di amore, vita e morte.
Bharti Kher - Un'assenza di causa assegnabile © Jennifer Boyer / Filckr
Zarina Hashmi
Con la carta come mezzo principale e un vocabolario minimo ricco di associazioni, Zarina Hashmi crea opere astratte che risuonano con le sue esperienze di vita di esilio e espropriazione e il concetto di casa - che sia personale, geografico, nazionale, spirituale o familiare. La sua opera contemplativa e poetica comprende xilografie, incisioni, disegni e calchi realizzati con pasta di carta. Le sue linee artigianali e calligrafiche costituiscono un elemento unificante nelle sue composizioni. La lingua è fondamentale per l'artista. Letters from Home (2004) mette in mostra una serie di stampe basate sulle lettere di sua sorella Rani, che vive in Pakistan. In un'intervista video della Tate, Zarina racconta come la ricezione di quelle lettere l'ha aiutata a conservare un senso di identità. L'urdu scritto a mano è ricoperto di mappe e schemi di case e luoghi distanti, che portano l'ombra di momenti significativi e impressioni di luoghi rilevanti per la vita della sua famiglia.
Nalini Malani
Il concetto del confine trasceso è al centro della pratica di Nalini Malani, che attinge dalla letteratura, dalla mitologia, dalla storia e dalla vita personale per creare arte con rilevanza attraverso le culture. Dai disegni ai dipinti, animazioni proiettate, giochi d'ombra, video e film, l'artista contrappone la tradizione con elementi modernisti per affrontare questioni urgenti relative alla società contemporanea. La sua famiglia fu influenzata dalla Partizione del 1947 - un tema che è caro a Malani, come visto in Remembering Toba Tek Singh (1998), un video ispirato al racconto di Sadat Hasan Manto con lo stesso titolo. Malani usa il simbolismo della morte di Bishen Singh - un paziente mentale che, rifiutandosi di trasferirsi in India durante la partizione, muore nella terra di nessuno tra i due confini. Malani, quindi, sta esplorando gli effetti della partizione sulla vita delle persone e estende questa esplorazione agli effetti dei test nucleari a Pokhran, nel Rajasthan. L'interesse di Malani per Cassandra risiede nella convinzione che ognuno di noi abbia intuizioni e istinti. La sua mostra del 2014 intitolata Cassandra's Gift alla Vadehra Art Gallery si è concentrata sulla possibilità che l'umanità preveda gli eventi del futuro e "ascolti" realmente ciò che sta accadendo intorno a loro.
Rina Banerjee
L'amore per la sostanza, il tessuto e la trama, unito all'esperienza di vita in comunità di luoghi misti culturali / razziali, fornisce la base per le opere poetiche multimediali di Rina Banerjee. Definisce la sua opera come un'esplorazione di "specifici momenti coloniali che reinventano il luogo e l'identità come complesse esperienze diasporiche intrecciate e talvolta surreali". Banerjee crea assemblaggi colorati di tessuti, articoli di moda, oggetti coloniali, arredi, tassidermia e materiali organici, provenienti da negozi di spazzatura di New York e riconfigurati in oggetti impregnati di nuovo significato. Materiali insoliti includono alligatori tassidermici, lettini di legno, lische di pesce, uova di struzzo, piume e mobili antichi. Mentre l'ibridità delle sue opere è un riflesso del suo background cosmopolita, il linguaggio visivo che crea è radicato nella mitologia e nelle fiabe. Prendimi, prendimi… to the Palace of Love (2003) è un'installazione che è stata esposta al Musée Guimet di Parigi nel 2011. Articolando un discorso sulle sue origini e la visione orientale-occidentale dell'Oriente, comprendeva un padiglione di plastica rosa a forma di il Taj Mahal per evocare una vista dell'India attraverso occhiali tinti di rosa, caratteristici della presenza coloniale britannica in India - con un assemblaggio centrale di materiali "esotici".
Dayanita Singh
Creando curiose narrazioni della vita quotidiana attraverso il mezzo fotografico, Dayanita Singh dà espressione visiva a un paesaggio che contrappone l'immaginazione dell'artista al mondo reale. Le sue fotografie in bianco e nero sono presentate in un'installazione intitolata Museum, così come nel suo mezzo preferito: il libro. La carta ha un significato particolare per Singh. L'artista interpreta tutti, dalla classe alta ai margini della società, offrendo una visione grandangolare dell'India contemporanea. Mona Ahmed è una figura ricorrente nel suo lavoro; sin dal loro primo incontro nel 1989 su una commissione per il London Times - un eunuco che vive in un cimitero nella Vecchia Delhi, un doppio reietto respinto dalla sua famiglia e dalla comunità di eunuco. La rappresentazione di Mona di Singh è un'esplorazione di persone con identità frammentate e mancanza di un senso di appartenenza, che è l'argomento del libro Myself Mona Ahmed. Singh's House of Love confonde il confine tra libro di fotografia e narrativa letteraria, con immagini accompagnate da poesia e prosa che narrano nove racconti. I "musei" portatili, come il File Museum (2013) o il Museum of Chance (2014), sono grandi strutture in legno che possono essere disposte in diverse configurazioni, che possono contenere da 70 a 140 fotografie. Questa "architettura fotografica", come la chiama Singh, le consente di visualizzare, modificare e archiviare continuamente immagini.
Reena Saini Kallat
Reena Saini Kallat incorpora spesso più di un supporto in un'unica opera d'arte. L'opera di Kallat si impegna con i cicli infiniti della natura e la fragilità della condizione umana, riflettendo i costanti spostamenti tra nascita, morte e rinascita; costruire e crollare, sconfitta e rinascita. Lavora spesso con nomi registrati o registrati ufficialmente - di persone, oggetti o monumenti che sono stati persi o sono scomparsi senza lasciare traccia. Un motivo ricorrente nella sua pratica è il timbro di gomma, un simbolo di controllo e dell'apparato burocratico - uno "stato senza volto" che oscura e conferma le identità. Kallat utilizza timbri in gomma dal 2003, investendo le sue opere con ironia. In Falling Fables, ha usato i francobolli con gli indirizzi dei monumenti mancanti protetti dall'indagine archeologica dell'India, creando forme di rovine architettoniche, attirando l'attenzione sullo stato del collasso e della frattura dalla memoria collettiva che sta avvenendo oggi in India e in tutto il mondo. Nel 2013 ha creato Untitled (Cobweb / Crossings), una ragnatela sulla facciata del Museo Bhau Daji Lad di Mumbai. La sua creazione comprendeva una tonnellata di timbri in gomma che portavano i nomi precedenti delle strade che circondano il museo e che evidenziavano storie perdute. Kallat ha precedentemente utilizzato il motivo del web per affrontare i problemi della migrazione e quelli che la controllano. In "Untitled (Map / Drawing)", una complessa mappa del mondo realizzata con fili e accessori elettrici traccia i percorsi migratori spesso nascosti dei lavoratori.
[K] Reena Saini Kallat - Untitled (2008) - Dettaglio © cea + / Flickr
Hema Upadhyay
Attraverso la fotografia e l'installazione scultorea, Hema Upadhyay si impegna con le nozioni di identità personale, appartenenza, dislocazione, nostalgia e genere, riflettendo sullo stato contemporaneo di Mumbai - una metropoli con il suo multiculturalismo derivante da movimenti migratori. Un'opera ricorrente autobiografica include fotografie di se stessa, come se stesse cercando il proprio posto all'interno della città, a cui è stata costretta a migrare con la sua famiglia durante la divisione. Nella sua prima mostra personale, Sweet Sweat Memories (2001), ha presentato opere che parlavano di sentimenti di alienazione e perdita. La serie presentava fotografie in miniatura di se stessa incollate su dipinti che raffiguravano prospettive aeree e subalterne di Mumbai come una nuova città travolgente.
Sheela Gowda
Incorporando scultura, installazioni artistiche e fotografia che mettono in mostra l'India urbana e rurale, Sheela Gowda crea opere usando materiali di uso quotidiano, inclusi oggetti trovati e riciclati e materiali come sterco di vacca, kumkum rosso (curcuma), incenso, capelli umani, foglia d'oro, coloranti cerimoniali e materiali domestici come fibre di cocco, aghi, fili e cordoncino. La pratica di Gowda si basa fortemente sul suo processo, che confonde i confini tra arte e artigianato, e mette in discussione il ruolo della soggettività femminile nel contesto della religione, del nazionalismo e della violenza che costituisce l'India contemporanea. E Tell Him of My Pain (2001) ha impiegato oltre 100 metri di filo arrotolato tinto con kumkum rosso, sospeso e drappeggiato nello spazio per formare un disegno tridimensionale. Il lavoro ha fatto riferimento alla cultura delle spezie dell'India e all'industria tessile - tradizionalmente parti dell'esperienza vissuta di una donna - per evidenziare il dolore della vita domestica femminile in una società patriarcale.
