Un uomo profondamente filosofico che ha evitato il materialismo e ha insistito sul primato dell'emozione pura, forse potremmo fare tutti un po 'di più con i principi di Rothko nelle nostre vite. Ecco 10 cose che dovresti sapere sull'artista, tra cui quella che era la sua più grande paura.
L'esperienza individuale è la chiave
Rothko credeva fortemente nell'importanza dell'esperienza personale degli individui nei suoi dipinti. Nella sua visione, lo spettatore sarebbe attratto da una relazione profonda e meditativa di fronte alla tela, uno stato di vulnerabilità emotiva e totale ricettività, analogo allo stato emotivo di Rothko mentre dipingeva la tela nel suo studio.
Mark Rothko nel suo studio, 1964, cibachrome © Hans Namuth / Per gentile concessione della National Portrait Gallery, USA
Il maestro del colore non era "interessato al colore"
Dalla sua prematura scomparsa, il pioniere di Rothko nel movimento Color Field è stato descritto da molti critici come indiscutibile e innovativo. Per il pittore stesso, il colore era solo un veicolo per una reazione emotiva evocata nello spettatore, a strisce di qualsiasi corrente estetica o decorativa. In una famosa affermazione che incarna la sua pratica artistica, Rothko ha dichiarato: "Se sei mosso solo dalle relazioni di colore, ti manca il punto".
Rudy Burckhardt (1914–1999), Mark Rothko, New York, 1960, stampa alla gelatina d'argento per gentile concessione della Albright-Knox Art Gallery, Buffalo (donata da Seymour H. Knox Jr.)
L'unica risposta che conta è emotiva
Rothko era preoccupato per la reazione umana cruda, o per ciò che chiamava "tragedia, emozioni estatiche, destino e così via", e trovò che questo fosse l'unico modo "giusto" per reagire ai suoi dipinti. Mentre si avvicina alla tela, lo spettatore deve liberarsi del desiderio di interpretare o comprendere il dipinto in senso intellettuale e lasciarsi commuovere dall'emozione incisa nella composizione. Alla fine, Rothko ha visto questo come uno stato in cui pittore e spettatore condividono una serie di emozioni, quasi trascendentalmente, mentre affrontano la stessa tela. Nel contesto dell'arte sempre più intellettualizzata degli anni '50 e '60, questo approccio non era solo originale ma anche controverso.
Mark Rothko, Untitled (Seagram Mural sketch), 1959, olio su tela Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Astenersi dal chiamare i suoi dipinti "belli"
Avere i suoi dipinti per uno scopo decorativo era probabilmente la più grande paura di Rothko come artista. Ogni volta che ne vendeva uno in privato, studiava innanzitutto la reazione dell'acquirente alla tela nel tentativo di valutare se il nuovo proprietario avrebbe usato il dipinto come accessorio o come centrotavola. Sebbene vi sia una bellezza indiscutibile nelle imponenti e ipnotizzanti opere di Rothko, il suo modo prescritto di guardarle è svuotare la mente da qualsiasi considerazione estetica e percepirle come in movimento, sia letteralmente che figurativamente.
Mark Rothko, Untitled, 1955, olio su tela Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Le prime opere di Rothko sono figurative
Le sue prime opere sono decisamente figurative, molto lontane dalle vaste opere astratte per cui alla fine divenne noto. Scene metropolitane, interpretazioni del mito antico, studi di figure semi-umane e contesti pastorali si fondono in un eclettico mix di soggetti apparentemente non correlati, prima di diventare astrazioni sfocate nella fase successiva dello sviluppo di Rothko. L'unico legame tra questi e le sue opere successive è la tendenza visibile del pittore per le linee verticali verticali, i corpi estesi verso l'alto e le colonne onnipresenti anticipano tutte le opere mature di Rothko.
Mark Rothko, Untitled, 1947, olio su tela Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Il nero non è mai veramente nero
Più specificamente, il nero utilizzato da Rothko è un piano multidimensionale di tonalità scura, solitamente posizionato sopra o accanto a un tono diverso che permea il resto del dipinto con una colorazione molto sottile. Anche negli ultimi lavori tipicamente oscuri, lo strato di nero è punteggiato da lampi di colore semi-apparenti da sotto, in lotta per l'aria oltre l'impressione iniziale.
Mark Rothko, Untitled, 1953, tecnica mista su tela Courtesy Gemeentemuseum den Haag
I dipinti di Rothko sono tra le opere più costose mai vendute
Rothko's Orange, Red, Yellow (1961) è tra i primi cinque dipinti post-bellici più costosi mai venduti all'asta. Ha ottenuto uno straordinario $ 86, 9 milioni in un'asta di Christie's New York nel 2012, battendo il precedente record dell'artista con White Center (Yellow, Pink and Lavender on Rose), che è stato acquistato per $ 72, 8 milioni da Sotheby's nel 2007. Per metterlo nel contesto, Van Gogh's Irises (1889) ha venduto per 'meri' 53, 9 milioni di dollari nel 1987.
Il denaro non è mai stato un impulso per Rothko
Nonostante i prezzi da record raggiunti dai suoi dipinti nel mondo dell'arte di oggi, prosperità e fama non sono mai state tra le priorità di Rothko. La cosiddetta commissione Seagram è un esempio spettacolare: nel giugno del 1958, Rothko accettò una commissione dai proprietari del nuovo ristorante Four Seasons a New York per produrre una serie di murales per gli interni e per integrare il cast stellare coinvolto nel design del ristorante, completo di Mies van der Rohe e Philip Johnson.
Dopo aver inizialmente accettato quello che sarebbe stato il suo incarico più redditizio, Rothko interruppe bruscamente il contratto, con poche spiegazioni. Si sospetta che pensasse che il progetto avrebbe compromesso la sua integrità di artista e avrebbe reso i suoi dipinti puramente decorativi in un ambiente da pranzo di lusso.
The Seagram Murals Courtesy Gemeentemuseum den Haag
Le opere successive di Rothko gravitano verso l'oscurità
Durante le fasi successive della sua carriera, negli anni '60, i dipinti di Rothko iniziarono a virare verso l'oscurità, un passaggio completo dalla sua precedente attenzione alle tele vibranti in cui il colore apparentemente era al centro della scena. Grigi scuri e quasi neri iniziarono a dominare la sua tavolozza in quello che molti vedono ora come presagio del suo suicidio nell'inverno del 1970. Sorprendentemente, il suo lavoro finale è una composizione urlante di rossi sangue.
Mark Rothko, n. 7, 1964, tecnica mista su tela Courtesy Gemeentemuseum den Haag
