Mentre l'Occidente ha iniziato a riconoscere l'abilità artistica che viene dall'Africa, molti stereotipi persistenti creati dai coloniali continuano a definire l'Africa come antica ed esotica, il che è particolarmente dannoso per la donna africana. Oggi, molte donne africane che hanno vissuto e lavorato nella Diaspora sfidano queste percezioni immaginarie e oppressive dei loro vari paesi africani e dei loro corpi attraverso la loro arte. Ecco cinque artiste della diaspora di cui dovresti assolutamente sapere di più.
Wangechi Mutu - Istologia delle diverse classi di tumori uterini (2004) © Playing Future / Flickrcommons
Wangechi Mutu
Wangechi Mutu è nata a Nairobi, in Kenya, e ha trascorso la sua carriera universitaria in Galles alla Cooper Union, prima di emigrare negli Stati Uniti, dove ha conseguito l'AMF da Yale. Oggi vive e lavora a New York. Fin da giovane Mutu fu esposto al modo in cui il mondo occidentale semplificò eccessivamente il Kenya per essere una parte senza nome della più grande Africa, fatta di Safari e tradizionali "tribù". Affronta questo e altri problemi postcoloniali nel suo lavoro, i suoi fotomontaggi sono molto noti. Combinano inchiostro, acrilico e talvolta glitter e perle con immagini tratte da riviste di viaggio, pornografia, riviste automobilistiche e pubblicità per formare nuove figure umane. Le immagini finali, come quelle di Misguided Little Unforgivable Hierarchies (2005) e The Bride Who Married the Camel (2009), sono luminose e intense, belle ma anche snervanti. Le immagini originali hanno contesti individuali ed evocano connotazioni distinte. Quando si uniscono a Mutu, tuttavia, arrivano a rappresentare l'eredità coloniale di come l'Occidente percepisce il continente africano come "primitivo", così come la sua oggettiva ipersessualità del corpo femminile africano. La bellezza e la stranezza attirano lo spettatore, mentre i dettagli-donne composti da teste di animali, diagrammi cervicali, motociclette e il torso esposto di una sfida di modello da playboy e sconvolgono l'immaginazione occidentale che esotico e oggettizza la cultura e il corpo africani.
Pittura su supporti misti - Ghada Amer © See-ming Lee / Flickrcommons
Ghada Amer
Ghada Amer è nata al Cairo e ha conseguito il Master in Pittura presso l'EPIAR di Villa Arson nel 1989. Sebbene Amer si descriva principalmente come pittrice, il suo lavoro si estende e combina diversi mezzi. In particolare, usa ricami e giardinaggio, lavoro tipicamente classificato come domestico e femminile e spesso considerato hobby piuttosto che arte. Nel fondere il mezzo pittorico accettato per l'arte con queste "attività femminili" insieme alle sue rappresentazioni spesso erotiche del corpo femminile, Amer sfida le nozioni del femminile rispetto al maschile, del desiderio e dell'amore. Mette in discussione le aspettative della società sulla figura pura e fanciullesca che si scontrano con l'oggettivazione e la sessualizzazione del corpo femminile. In opere come And the Beast (2004) e Knotty but Nice, mette in discussione il rapporto tra moralità e condanna del corpo della donna. In And the Beast (2004) Amer raffigura la figura sacrificale di Bell e delle altre principesse Disney che si masturbano, usando acrilico e ricami su tela, il che richiede la liberazione di figure precedentemente trattenute per il loro comportamento morale che si distingue nel loro amore per un uomo - assente di desiderio sessuale. Li rende più umani, dando alle ragazze modelli di ruolo più sani.
Installazione di Ato Malinda © Iopensa / Wikicommons
Ato Malinda
Malinda è un'artista che è cresciuta in Olanda, negli Stati Uniti e in Kenya. Sebbene sia cresciuta lontano dalla sua nazione, molte delle sue esibizioni lavorano in un contesto keniano o più ampio in Africa. Molti suoi pezzi guardano alla politica post-coloniale all'interno del paese, come Mshoga Mpya (The New Gay in Kiswahili) (2014), che reagisce all'illegalizzazione dell'omosessualità in Kenya. Nell'esibizione, Malinda è all'interno di un cubicolo nero in cui può entrare solo un telespettatore alla volta, dove fa affidamento sulle storie raccolte sul queer di Nairobi. L'intimità preserva la privacy delle voci anonime mentre consente la discussione di coloro che sono spesso messi a tacere con la forza. Gran parte degli altri lavori si concentra anche sulla stranezza africana, come la sua esibizione, Mourning a Living Man (2013), che è specifica per la sua casa d'infanzia disfunzionale, ma parla anche di temi più ampi di performatività di genere e abuso sessuale attraverso l'uso del colore, lingua e attività domestiche rese perverse. In entrambi questi pezzi mette in evidenza le voci locali del femminismo e della comunità LGBTQ, dando una piattaforma a queste storie che sono oscurate dal bianco femminismo dell'Occidente. Il modo in cui il pubblico è spesso costretto a interagire con l'artista e lo spazio della performance collega fisicamente il pubblico con le esperienze umane rappresentate.
Sokari Douglas Camp © El Coleccionista de Instantes / Flickrcommons
Sokari Douglas Camp
Sokari Douglas Camp è una prolifica scultrice nigeriana di Buguma che ha studiato al California College of Arts and Crafts di Oakland, alla Central School of Art and Design e al Royal College of Art di Londra, dove attualmente risiede. Le sue sculture raffigurano spesso Kalabari (la città da cui proviene Douglas Camp) mascherate, spiriti o sacerdotesse. Realizzato in acciaio e altri materiali trovati come lattine, corda e piume, si collega e rappresenta le sue radici in queste figure. Esibendo ad un pubblico internazionale, le sculture di Douglas Camp lavorano per ricontestualizzare il ruolo sacro delle maschere coinvolte nella mascherata, che sono spesso esposte isolate nei musei. Le sue opere parlano specificamente anche alla Nigeria e ai Kalabari. Come donna, non le è mai permesso di fare la mascherata poiché questo è strettamente il ruolo dell'uomo nella società. Creando queste forme di esibizione, Douglas Camp si impegna nella mascherata a un livello che viene negato a lei e alle altre donne. Inoltre, la saldatura è in genere una posizione di artigiano maschio. In un duplice senso, quindi, ha continuamente sfidato i confini di genere che le sono stati imposti dalla tradizione. Su una scala nazionale più ampia, Douglas Camp ha affrontato l'omicidio di Ken Saro-Wiwa da parte del governo nigeriano. Attivista non violenta contro la Royal Dutch Shell Company e la mancanza di regole ambientali da parte del governo, Douglas Camp ha visto la sua morte come una disgrazia nazionale e ha scelto di rappresentarla nella sua opera Alagba in Limbo (1998), che raffigura la mascherata Alagba vergognosamente portato da due uomini i cui volti esprimono agonia.
Fotografia di Aïda Muluneh © Magnus Manske / Wikicommons
