A volte è più facile dire una bugia che dire la verità. Forse è quello che pensava il giovane armeno Vostanik Manoug Adoian quando arrivò negli Stati Uniti nel 1920. Prontamente cambiò il suo nome in "Arshile Gorky", dichiarando di essere un nobile russo che aveva studiato arte in Francia sotto Wassily Kandinsky, e rivendicato era cugino dell'autore russo Maxim Gorky.
Arshile Gorky © Von Urban / Wikicommons
L'identità di Arshile Gorky avrebbe continuato a perseguitarlo e ispirarlo fino al suo tragico suicidio nel 1948. All'inizio del 20 ° secolo, gli Ottomani iniziarono una campagna di pulizia etnica, perseguitando la comunità armena in quello che sarebbe poi stato conosciuto come il genocidio armeno. Gorkij e la sua famiglia furono costretti a fuggire in Russia e poi negli Stati Uniti per motivi di sicurezza. La fuga fu particolarmente difficile per Gorkij, che fu testimone della morte di sua madre poco dopo che la famiglia arrivò in Russia. Quando finalmente arrivò negli Stati Uniti, Gorky inventò una storia così grandiosa che presto insegnò arte a New York, facendosi strada nei circoli sulla cuspide di un nuovo movimento artistico. Sebbene fosse desideroso di nascondere il suo passato, fu solo scavando a fondo nella sua storia subconscia e personale che riuscì a diventare uno degli artisti più influenti d'America.
Gorky era un abile disegnatore con una geniale capacità di emulare le opere d'arte di altri artisti; copiò le opere di Cézanne e Picasso, padroneggiando le loro tecniche e stili. Sebbene di grande talento, il suo lavoro fu oscurato dalla forte influenza degli artisti che ammirava, e fu solo quando conobbe i surrealisti che iniziò a trovare il suo vocabolario di stile ed espressione. I concetti surrealisti di inconscio e improvvisazione aiutarono Gorky a smascherarsi, mentre iniziava a rivelare gli eventi traumatici della sua vita attraverso il suo lavoro. In Artist and His Mother (1926-1930 ca.), Gorkij passa da un lavoro più superficiale a un soggetto molto personale e intimo. Il dipinto, basato su una fotografia di Gorkij e sua madre, mostra due figure che fissano lo spettatore. Le espressioni sui due volti sono in arresto; gli occhi orgogliosi della madre sono forti e redentrici. In deroga alla fotografia, Gorkij ha scelto di dipingere il grembiule di sua madre, bianco incontaminato, rendendola una figura angelica e pura santa. Mentre il suo viso è a fuoco, le sue mani e la parte inferiore del grembiule si fondono nel dipinto; pennellate spesse trasformano sua madre in un ricordo, un momento breve e immateriale. Le giacche e i maglioni scuri che indossano nella fotografia vengono sostituiti con l'arancione e il marrone, dando movimento al ragazzo ed evidenziando la piattezza della madre e la sua presenza senza vita.
Arshile Gorky - Enigmatic Combat © AllieCaulfield / Flickr
Nel 1944, Gorkij incontrò il teorico e poeta surrealista André Breton; la nuova relazione esaltò Gorkij, che ammirava i surrealisti e la scuola europea. Breton è rimasto impressionato dal lavoro di Gorky, in particolare The Liver è il pettine del cazzo, che ha definito "il film più importante realizzato in America". Gorky era stato anche invitato da un altro artista surrealista contemporaneo, Roberto Matta, a innaffiare la sua vernice e consentire alle sue opere di essere un prodotto di spontaneità, rispecchiando una convinzione surrealista. Di conseguenza, il lavoro di Gorky divenne più fluido. Le forme erano organiche e la sua ispirazione si rivolse alla natura, mentre studiava i campi, le piante e gli animali nella sua casa di campagna nel Connecticut. Anche il lavoro di Gorky divenne profondamente personale; le astrazioni liriche della sua infanzia e altri ritratti oscuri e astratti riflettevano le difficoltà della sua vita. L'agonia, dipinta un anno prima che Gorky si impiccasse, è una tela di pura devastazione. Rosso scuro e diverse tonalità di marrone e forme vagamente gialle, simili a una lingua, raffigurano un fuoco che prende il controllo della tela. All'epoca, lo studio di Gorky era stato distrutto da un incendio e aveva perso gran parte del suo lavoro, che alla fine era diventato un riflesso di chi era veramente: leggero e nostalgico a volte, ma anche oscuro e tragico.
One Year the Milkweed, 1944, olio su tela - Arshile Gorky © Cliff / Flickr
Le opere di Gorky sono passate da flussi di coscienza surrealisti simili a sogni ad astrazioni piene di forme fluide, forme irregolari, contorni audaci e oggetti immateriali, in cui un frutto o un pesce, per esempio, diventa riconoscibile prima di perdere la sua identità e diventare qualcos'altro. L'incoraggiamento di Breton aiutò Gorky a forgiare un nuovo percorso, influenzato dai surrealisti; nonostante ciò, il lavoro di Gorky faceva parte irrevocabilmente della scuola americana. L'etica dell'automatismo dei surrealisti era in contrasto con lo stile calcolatore e preciso di Gorky. La sua personalità guidata, la professionalità e i riferimenti lo paragonavano agli espressionisti astratti americani, come Pollack e De Kooning, e permisero al lavoro di Gorky di andare oltre ciò che i surrealisti stavano facendo. Attraverso il surrealismo, Gorkij ha trovato la lingua di cui aveva bisogno per creare il suo stile distinto - un punto d'incontro tra emozione e astrazione. Nonostante la tragica fine della sua promettente carriera, Gorky lasciò alle spalle un corpus di lavori che influenzarono i suoi contemporanei e successivamente gli espressionisti astratti per gli anni a venire.
